Antonio López

Madrid desde Torres Blancas. Sus cuadros se desarrollan a lo largo de varios años, décadas en ocasiones, con una plasmación lenta, meditada, destilando con cada pincelada la esencia del objeto o paisaje, hasta que el artista consigue plasmar la esencia del mismo en el lienzo.
El pintor busca entre la realidad que le rodea aquellos aspectos cotidianos, que él recoge con un tratamiento pleno de detallismo, rozando lo fotográfico. Sus preferencias van desde las vistas de Madrid hasta los retratos de sus familiares, pasando por los objetos más cotidianos y cercanos.
A lo largo de la mayor parte de su carrera artística, Antonio López ha desarrollado una obra independiente, en medio de un panorama artístico estructurado en base al informalismo y la abstracción. Tampoco parece tarea fácil vincular la obra de López con las tendencias realistas europeas más recientes, o con el hiperrealismo americano.

Georg Baselitz

Gehört neben Gerhard. Baselitz, cuya característica principal es presentar los motivos de sus obras dados la vuelta.
La profesión de este hombre, nace cuando con la intención de renovar desde el principio la práctica pictórica, a partir de los años 60, comienza a hacer trabajos donde pone en juicio los valores tradicionales de la vida, mediante una pincelada de expresión gestual. De esta manera, realiza grandes obras donde la temática pasa a ser algo secundario. Uno de los artistas alemanes neo-expresionistas más resonantes y significativos.

Maurice de Vlaminck

The Clearing at Valmondoiis. Formado como músico, se inició en pintura estudiando las obras expuestas en el Louvre y en las galerías de la calle Laffitte; el conocimiento de la obra de V. Van Gogh sería determinante para él. Los experimentos pictóricos realizados junto a André Derain, unidos a los de Matisse, desembocaron en el fauvismo, movimiento del que fue el más radical exponente (Árboles rojos, 1906). Básicamente paisajista, realizó también bodegones, cuadros de flores y algunos retratos.

Giogio de Chirico

Piazza d´Italia. La pintura metafísica de Giorgio de Chirico es considerada una de los mayores antecedentes del movimiento surrealista. En su estancia en Alemania tomó influencias de autores simbolistas y la filosofía de Nietzsche. Ya en París (1911) comienza a realizar obras de imágenes muy sorprendentes, basadas en la representación de espacios urbanos, en los que predominan los elementos arquitectónicos y la proyección de sombras y en las que la presencia humana suele estar ausente. Además de esta regla arquitectónica también hay representaciones de interiores, generalmente abiertos al exterior, donde suele situar maniquíes y en algunas ocasiones otras obras (la representación de otras obras dentro de la propia obra, que es una característica propia del surrealismo, está ya presente en el autor). Así logra crear en sus obras un espacio extraño, atemporal, donde parece que se pude encontrar la calma y el silencio. Las imágenes representadas en el espacio pictórico son sacadas de contexto y representadas con un tamaño antinatural y desproporcionado.

Antoni Tàpies

Mirada y mano. Tàpies creó un estilo propio dentro del arte de vanguardia del siglo XX, en el que se combinaban la tradición y la innovación dentro de un estilo abstracto pero lleno de simbolismo, dando gran relevancia al sustrato material de la obra. Cabe destacar el marcado sentido espiritual dado por el artista a su obra, donde el soporte material trasciende su estado para significar un profundo análisis de la condición humana.
En su obra más característica dentro del informalismo matérico, Tàpies empleaba técnicas que mezclaban los pigmentos tradicionales del arte con materiales como arena, ropa, paja, etc., con predominio del collage y el assemblage, y una textura cercana al bajorrelieve.
Tàpies definía su técnica como “mixta”: pintaba sobre tela, en formatos medios, en posición horizontal, disponiendo una capa homogénea de pintura monocromática, sobre la que aplicaba la ”mixtura”, mezcla de polvo de mármol triturado, aglutinante, pigmento y óleo, aplicado con espátula o con sus propias manos.

Willem de Kooning

Woman V. Los formas biomórficas de sus primeras abstracciones pueden interpretarse como símbolos femeninos. Se fue identificando cada vez más con el movimiento expresionista abstracto y fue reconocido como uno de sus líderes a mediados de los años cincuenta. Conforme evolucionaba su trabajo, los colores intensos y las líneas elegantes de las abstracciones comenzaron a volverse trabajos más figurativos, y la coincidencia de figuras y abstracciones continuaron hasta bien entrados los años cuarenta. Este período incluye las representaciones bastante geométricas, junto a numerosas abstracciones sin título cuyas formas biomórficas cada vez sugerían más la presencia de figuras, desarrollando un tipo de representación semifigurativa-semiabstracta.  Pero no fue hasta 1950 que empezó a explorar el tema de las mujeres de forma exclusiva. Es la época de su mayor creatividad artística. En verano de ese año comienza la que sería su serie más célebre, cuyo tema eran las mujeres.

Sandro Chia

The Pharmacist's son. Chia suele trabajar en formatos grandes, con fuerte colorido, utilizando todo tipo de técnicas. En su obra destaca el análisis y reutilización de la obra de artistas del pasado. Chia pone especial énfasis en el título de sus obras, ya que es parte del mensaje que quiere transmitir; en ocasiones, incluso añade algún pequeño poema dentro del cuadro.
Su obra es en parte autobiográfica, le gusta evocar momentos de su propia vida; su estilo es expresivo y teatral, destacando las figuras humanas de aspecto monumental, heroico.

Yves Klein

Anthropometries. En muchos de sus trabajos Klein cubría con pintura azul a una serie de modelos femeninas y las estampaba contra el lienzo dejando así la impronta del cuerpo desnudo de las modelos sobre la tela, usándolas como si fueran "pinceles vivientes". Este tipo de trabajo recibe el nombre de "Antropometría". Otras pinturas que siguen este mismo método de producción incluyen las "grabaciones" de lluvia que Klein hacía conduciendo bajo la lluvia a 110 kilómetros por hora con un lienzo. La mayoría de sus primeros trabajos eran pinturas monocromáticas en una amplia variedad de colores. A finales de los años 50, los monocromos de Klein se centraban en un color azul intenso, que patentó como el International Klein Blue o Azul Klein.

Jackson Pollock

Number 8. Jackson Pollock se caracteriza en su dimensión artística, entre otras cosas, por ser uno de los renovadores del concepto de la plasmación gráfica a través de una serie de técnicas de tratamiento de la pintura no experimentadas hasta entonces, y la teorización fundamentada y racional que conlleva la explicación del desarrollo de la abstracción en la realización de sus trabajos. Toda esta dimensión creada por Pollock fue la precursora del nacimiento del Expresionismo Abstracto como rama artística de gran peso entre la década de los 40 y 60.  La creación de este estilo se daba porque la acción de pintar se producía de una forma subconsciente en sí mismo, trabajando de una forma autómata, que será lo que se denominará automatismo. Buscaba la representación dramática e irrefrenable del subconsciente.

Gustav Klimt

Mujer. Pintor simbolista austríaco y uno de los más conspicuos representantes del movimiento modernista. Klimt pintó lienzos y murales con un estilo personal muy ornamentado, que también manifestó a través de objetos de artesanía. Intelectualmente afín a cierto ideario romántico, Klimt encontró en el desnudo femenino una de sus más recurrentes fuentes de inspiración. Sus obras están dotadas de una intensa energía sensual, reflejada con especial claridad en sus numerosos apuntes y esbozos a lápiz, en cierto modo herederos de la tradición de dibujos eróticos de Rodin e Ingres. Klimt se convirtió en un personaje muy notable en la alta sociedad vienesa, y estuvo relacionado de un modo u otro con los más notables círculos intelectuales del momento, en una época en la que Viena estaba dejando de ser la capital mundial del arte.

Richard Estes

La 43 y Broadway. Sus cuadros consisten generalmente en retrospectivas de ciudades alejadas y en paisajes geométricos de ambientes urbanos en donde los automóviles, forma de vestir, carteles publicitarios y escaparates, representan el ambiente de la época.
Una característica de su pintura es la compleja utilización de las superficies con luz refractada, desde 1967 comenzó a pintarlas, y desde entonces le han acompañado en sus obras, edificios reflejados en estructuras cristalinas y lisas como los escaparates, ventanales, cabinas telefónicas, capó de un coche o al paso de un autobús. También reproduce reflejos deformados y a veces difuminados en superficies no lisas y uniformes como son las olas de agua en movimiento. Está considerado como uno de los fundadores del movimiento foto-realista internacional de finales de los años sesenta.

Francis Bacon

Interpretación del Papa Inocencio X de Velazquez. Una de las cuarenta interpretaciones que hizo de este mismo cuadro. Quizá este estudio del Inocencio velazqueño represente una vez más el estallido en mil rayos de la obsesión filosófica o política por el poder político del Pontífice. O por lo que Francis Bacon entendió que era obsesión por el poderío de la Italia renacentista. Cada trazo en amarillo es, más que rayo, el recorrido infame de una metralla, la salida a la velocidad de la luz de infinitos ajustes de cuentas con una paranoia por mandar, por imponer, por controlar. Por anular. Bacon, que había comenzado la década de los cincuenta –una vez más- con gran confusión personal, sitúa a su personaje en un entorno ficticio. A pesar de saberle entronizado en el cuadro original por los pinceles del maestro sevillano, decide ubicarlo en medio de barandillas curvas que alejan y aprisionan. Que condenan al retratado. Que lo aíslan y confinan. Es su particular sentencia. Al igual que fijar las manos a los extremos de los brazos de tan particular trono y, definitivamente, extender el velo vertical de pinceladas que trazan más sombra que luz sobre una figura en explosión.

Miquel Barceló

Pequeña crucificción. Su obra abarca desde inmensas telas y murales hasta esculturas de terracota y cerámica. Su pintura, incorpora numerosos referentes culturales, entre los que cabe destacar en una primera etapa el trasfondo mediterráneo, y a raíz de su estancia en Mali, iniciada en 1988, el paisaje y la forma de vida africanos; más recientemente ha introducido en su obra complejas e intelectualizadas reflexiones sobre el entorno privado del artista, como su taller o su biblioteca. Otro ámbito destacado de su actividad artística es la ilustración de libros, capítulo en el cual ha ilustrado obras de Dante, Paul Bowles y Enrique Juncosa, entre otros.
La pintura barroca, el art brut, el expresionismo abstracto norteamericano, el arte povera italiano, las obras de Joan Miró y Antoni Tàpies se cuentan entre las influencias que Barceló ha transfigurado en una formidable síntesis personal de índole neoexpresionista y de desbordante imaginación, de densa presencia matérica e inmensa riqueza plástica.

Franz Kline

Opustena. Como Jackson Pollock y otros pintores abstractos, fue un pintor de acción por su simple, espontáneo e intenso estilo, mediante el uso de trazos fuertes y figuras abstractas. La mayor parte del trabajo de Kline, sin embargo fue "practicada espontáneamente". Preparó muchos sketchs sobre dibujo, aunque nunca los publicó, antes de su trabajo plástico, y además fue un musico del arte abstracto. Los mejores y más conocidos trabajos expresionistas de Kline fueron hechos con los colores blanco y negro puros, aunque a veces introdujo diversas tonalidades de ambos colores. Sólo volvió a utilizar color en sus pinturas a partir de 1955, aunque sus pinturas más importantes en color fueron hechas recién a partir de 1959. Las pinturas de Kline son muy complejas y subjetivas. Cuando las pinturas de éste artista siempre tuvieron un impacto dinámico, dramático y espontáneo, es importante saber que él siempre las describió muy simples en cuanto a dichos elementos. Cabe decir que hizo muchas de sus pinturas a raíz de los conocimientos aportados por sus estudios previos.

Amedeo Modigliani

Retrato de Jeanne Hébuterne con sombrero. Se presenta mucho dinamismo ya que la mayor parte de todas las líneas son curvas. La única línea verdaderamente recta es la de la pared en la que hay un quiebre de color; de colores cálidos (naranja ladrillo) y colores fríos (negro, gris).
La figura humana no es proporcionada, sino deformada (característica que se destaca en Modigliani). Puede observarse que ella está sentada o apoyada sobre una pared, por lo tanto existe una superposición de planos ya que uno puede notar que ella se encuentra delante de la pared, que por momentos se ve más oscura.
Se aprecian colores cálidos en la piel de la mujer, en la pared, y en el lado interior del sombrero; y colores fríos en el sombrero, el cabello de la mujer y su vestido, y en el otro sector de pared.
En cuanto a los valores de luz, se puede observar claramente que el sector con mayor luminosidad en el cuadro se encuentra en el rostro de la mujer, y el sector más oscuro en el sombrero. La obra no parece denotar relieve, más bien parece lavado, con pinceladas largas y rápidas, porque por lo que se puede ver el lienzo no está del todo cubierto ya que hay espacios blancos, pequeños, pero blancos al fin; por esto se puede entender que alejándose del arte académico y la perfección y de la fusión perfecta de los colores, el expresionismo es breve y más “imperfecto”. Modigliani utiliza la técnica de óleo sobre lienzo, las pinceladas son alargadas y no demasiado cargadas de material. Algo que caracteriza a este pintor es la deformación exagerada del cuerpo humano, como el cuello, las manos, la nariz, los hombros.

Antonio Saura

Autorretrato. La fuerza, el desgarro y la ironía hispanos tienen en Saura su mejor representante. La libertad e innovación de su obra encuentran los orígenes en su formación autodidacta.
Desde fines de los años cuarenta comenzó a colaborar con grupos de Vanguardia nacional como Tendencias 2 y Arte Fantástico. Sin embargo el omnipresente París es quien le abre las puertas a todo un mundo de tendencias. Miró, Man Ray y Ernest Tanguy influyeron en su obra. Del Surrealismo pasó a una pintura informalista de paleta restringida. En los años ochenta comienza a introducir el color rojo con un marcado carácter simbólico. Sus figuras, de trazos tremendamente distorsionados, abrían una nueva puerta hacia la expresión abstracta.

Salvador Dalí

La tentación de San Antonio. En el cuadro se muestra a San Antonio Abad en un desierto, arrodillado y sosteniendo una cruz hecha con dos varitas para protegerse de las tentaciones que lo atacan, con el antiguo gesto del exorcismo. Estas son representadas por un caballo y una fila de elefantes, todos estos con sus patas alargadas de forma grotesca y cada uno cargando con una tentación.

San Antonio es representado como un mendigo, está desnudo y despeinado y se apoya sobre una piedra. Delante de él hay una calavera.El cuadro describe literalmente las tentaciones a las que el hombre normalmente cae: Triunfo, representado con el caballo, el cual tiene sus pezuñas desgastadas y llenas de polvo. Este animal recuerda a los jumentos esqueléticos de los primeros cuadros surrealistas del autor. Sexo, representado por la mujer sobre el primer elefante. Oro y riquezas, representados por los dos elefantes sobre los que hay una pirámide y una casa de oro y dentro de esta última, un busto de mujer lo aguarda. Más atrás, otro elefante carga un altísimo monolito sobre su espalda. Detrás de este y sobre las nubes, hay un castillo.En el paisaje desértico, dos hombres discuten y al fondo, un hombre lleva de la mano a su hijo.

Henri Matisse

La Danza, presenta a cinco personajes desnudos, cuyas manos se estrechan ofreciendo una perspectiva oval del conjunto. El espacio representado responde a la irrealidad y utopía de los paisajes, característica de las vanguardias de principios de siglo contra la figuración y la naturaleza propias de los precedentes periodos artísticos. Matisse utilizó el color, las líneas y el ritmo para conseguir la recreación de la libertad. Matisse recrea en clave de armonía cromática la huida de la sociedad burguesa a través nuevamente de la evasión en un estado natural del ser humano, y una vez más las líneas descritas por la danza son el medio expresivo más adecuado para ello.

Wassily Kandinsky

Composición VII. El pintor ruso planeaba hacer una obra maestra que fuese la de mayores dimensiones y para ello puso en práctica todos sus recursos estéticos.
Wassily Kandinsky se preparó durante meses desarrollando diversas ideas pictóricas en dibujos, grabados,acuarelas y óleos. Con las ideas más o menos claras, encargó un bastidor de 2 x 3 metros y entre el 26 y el 29 de noviembre de 1913, en poco menos de cuatro días obró el milagro. Realizó una pintura a la que tituló “Composición VII”, la séptima de sus únicas diez composiciones. Prueba del procedimiento conceptual del pintor es que a lo largo de los cuatro días, hizo que su compañera Gabriele Münter tomara fotografías para documentar cada paso de la composición. Quiso conservar el proceso creativo de una pintura tan premeditada e importante para él, e ilustrar la obra a la luz de la teoría y del público. Pensaba en la posteridad.
Las fotografías muestran como quedan ocupados en primer lugar, el margen inferior izquierdo y el centro de “Composición VII”. Las partes restantes del cuadro están dispuestas con trazos oscuros o bases planas de color blanco. Parece ser que el punto de partida del pintor fue la estructura gráfica de fondo.

Joan Miró

Carnaval del Arlequín (Le Carnaval d'Arlequín) es una de las telas más célebres de Joan Miró. La pintó en París durante el invierno de 1924-1925, en el estudio que el escultor Pablo Gargallo poseía en la calle Blomet y que éste le cedía durante sus ausencias. Un autómata que está tocando la guitarra y un arlequín con bigotes tienen los papeles principales. A su alrededor aparecen gatos jugando con unas bolas de lanas, unos pájaros ponen huevos de donde salen mariposas o unos peces voladores se van a la búsqueda de los cometas. También se ve como un insecto se escapa de un dado o un mapamundi espera sobre la mesa, así como una escalera que tiene una oreja humana enorme proyecta un ojo minúsculo entre los barrotes. El ojo, adoptado como emblema para señalar la presencia del hombre, será una constante en la producción artística de Miró y aquí aparece por toda la tela, pues se abren unos ojos sobre los cubos, los cilindros y los conos.
A través de una ventana que se abre al exterior se advierte un azul del cielo con una pirámide de color negro, que Miró dijo ser la Torre Eiffel, una especie de llama roja, de compleja identificación, y un sol. En la obra se aprecia una clara tendencia por parte del pintor a llenar toda la superficie del cuadro con muchos elementos, con juguetes fabulosos, curiosos animales o criaturas semihumanas. Esta composición abigarrada, según el autor, se debe a las alucinaciones causadas por el hambre.